Irving Penn: Fotografía de la exactitud

Las fotos de Irving Penn tienen una fuerza material cercana a la de la pintura, de una perfección inflexible pero limpia de frialdad o de amaneramiento

Por Antonio Muñoz Molina

La posteridad ha empezado muy pronto para Irving Penn. Murió en 2009, a los 92 años, y este verano el Metropolitan de Nueva York le dedica una gran exposición con motivo de su primer centenario. Irving Penn ha sido nuestro contemporáneo, pero nos da la impresión de que vivió en otra época, quizás porque sus fotografías más conocidas irradian un sentido de la belleza, de la dignidad, de la concisión expresiva que no parece muy propio de este tiempo nuestro. Nosotros vivimos en un atolondramiento de imágenes digitales que se multiplican lo mismo en las pantallas mínimas de los teléfonos móviles que en las de los paneles publicitarios de las calles, de las estaciones, de los andenes del metro. Irving Penn tomaba sus fotos con una Rolleiflex de gran sofisticación mecánica, no apta para la rapidez ni la improvisación, y luego las revelaba él mismo según un procedimiento ya en época anticuado que se basaba en el uso no del nitrato de plata, sino de platino. Era un método que le permitía gradaciones más sutiles de tonos y pormenores más exactos, pero que exigía mucha destreza y mucha paciencia.

A la agudeza visual y al sentido inmediato de la composición de un fotógrafo, Irving Penn añadía la concentración y la perseverancia de un grabador. Trabajaba con la iluminación diurna y también con la oscuridad: en la presencia del modelo y en la soledad del cuarto de revelado. El resultado, en sus fotos, miradas de cerca, en las copias que él mismo hacía, es de una fuerza material cercana a la de la pintura, de una perfección inflexible y sin embargo limpia de frialdad o de amaneramiento. La lentitud y la máxima concentración del proceso se corresponden con una economía extrema, un concienzudo despojar tanto la imagen como el modelo de todo aquello que no tenga una justificación expresiva. En París, a finales de los años cuarenta, Irving Penn no tomaba sus fotos de moda para Vogue en escenarios palaciegos o exóticos. Alquiló un estudio en un viejo edificio sin ascensor, con un gran ventanal orientado al norte, y colgó en él un telón gris de teatro.

Raymond Depardon en el Centro Cultural Recoleta: Ver lo hermoso en medio del horror

Si la vida cotidiana habla de la Historia, el fotógrafo francés se ocupó de los detalles para mostrar el mundo 

por Daniela Pasik

Es considerado uno de los fotógrafos más destacados del siglo XX y prócer vivo del fotoperiodismo. También hace documentales, y en pantalla grande, transita una línea casi imperceptible que junta, pero a la vez diferencia, el cine de la fotografía, lo histórico de lo narrativo. Además es escritor y, sin duda, una figura absoluta de las artes visuales. Pero sobre todas las cosas, el francés Raymond Depardon es alguien que tiene la capacidad de ver lo hermoso en medio de lo horrible. Sin edulcorar, sólo con su ojo mágico y el click certero.

Es que la vida cotidiana sigue aunque todo se rompa en pedazos. Eso está a la vista.

Entre la granja familiar en la que creció en la década del 50 hasta la actualidad, y en los más diversos rincones del planeta, Depardon mira las cosas desde la curiosidad. No da nada por sentado y así resulta su trabajo. Colorido, pero sin perder de vista lo gris. Inocente, aunque sin negar por eso realidad. “Como un niño que ve las cosas por primera vez”, dijo en su breve paso por la Argentina, cuando vino a principios de junio a brindar una masterclass y a presentar Un momento tan dulce y Francia, las dos muestras suyas que se exhiben en el Centro Cultural Recoleta.

Aunque fue su quinta visita, esta es la primera vez que Depardon expone su trabajo en la Argentina. En sus recorridas por el planeta disparó su cámara en Buenos Aires y en Río Gallegos y esas imágenes se pueden ver en Un momento tan dulce, donde recopila lo que llama “fotos libres”, que sacó mayormente durante sus viajes de trabajo, pero fuera del tema que estuviera trabajando: la mayoría son inéditas. Y resultan casi como un paseo por su vida y obra sin ser, aclaró incontables veces, una retrospectiva. Para Francia trabajó con una cámara de gran formato, de 20 X 25, y construye en esas fotos un retrato de lo que pocos ven de su país.

Diane Arbus. Enfrentar los propios fantasmas

Es una de las fotógrafas más relevantes del siglo XX y escandalizó a la alta sociedad neoyorquina con sus retratos de personajes excéntricos y marginales. En los próximos días llegan desde el Met al Malba las imágenes que marcaron el inicio de su carrera

Por Celina Chatruc

"No puedo hacerlo más. No voy a hacerlo más." Con esa determinación, una noche de 1956 en su estudio del Upper East Side de Manhattan, Diane Arbus habría decidido poner fin a una década de sociedad con su marido. Un impulso que, sin saberlo, definiría su destino como una de las fotógrafas más destacadas del siglo XX.

Eso asegura Arthur Lubow, autor de una biografía de Arbus publicada el año pasado, que añadió polémica con revelaciones de incesto -Arbus habría mantenido una relación íntima con el poeta Howard Nemerov, su hermano mayor, hasta el final de su vida- a la ya controvertida historia de una mujer que cambió para siempre la forma de ver el alma humana.

Dos décadas antes, Patricia Bosworth, autora de otra biografía de la artista, había afirmado que fue Allan Arbus quien tomó la decisión al presenciar cómo su esposa rompía en llanto durante una cena con amigos. En respuesta a una pregunta sobre su trabajo, ella se habría angustiado al describir cómo peinaba y ajustaba los vestidos de las modelos retratadas para revistas como Glamour y Vogue.

Ambas versiones coinciden en que algo no andaba bien con Diane. "Parecía que estaba por o acababa de tener un colapso nervioso", confirmaría años más tarde su gran maestra y amiga Lisette Model, quien la animó a enfrentar -y retratar- sus propios fantasmas.

En el principio, la muestra que inaugurará el Malba el 13 de este mes, presentará un centenar de imágenes de aquella etapa decisiva en su carrera. Siete años -desde 1956 hasta 1962- que reflejan una profunda transformación en su mirada. Las hojas secas, los diarios arrastrados por el viento y los globos que protagonizaban las imágenes con las que llegó al taller de Model, a los 33 años, pronto dieron paso a los freaks que horrorizaron a la clase alta neoyorquina.

El fotógrafo y cineasta francés Raymond Depardon presenta su trabajo en el Recoleta

Viajero incansable y solitario, especialista en captar y revelar la esencia del ser humano en situaciones aparentemente anodinas, llegó a Buenos Aires para dar una charla y presentar en el Centro Cultural Recoleta tres de sus documentales y dos muestras con casi 200 fotos tomadas en Francia, Etiopía, Argentina y otros lugares del mundo durante más de 50 años de trayectoria

Por Paulo Pécora

Quizá uno de los rasgos más salientes de su trabajo sea la reflexión sobre una posible ética de la imagen, especialmente al tomar siempre una distancia respetuosa de las situaciones o personas que registra, eludiendo lo espectacular y señalando en cambio aquello que hay de humano en lo cotidiano y late oculto en escenas que para muchos podrían resultar insignificantes.

Esa sencillez de mirada (que está en los temas tratados, los encuadres y la elección de una lente "normal" de 50 mm) se imprime tanto en sus fotos como en los fotogramas de sus documentales.

"Soy un caso particular. Por lo general los fotógrafos se convierten en cineastas, pero a mi me gusta el ida y vuelta. Me renueva. Soy fotógrafo profesional y cineasta amateur. Vivo más de la fotografía, mientras que el cine es una joya preciada", se definió.

"En ese sentido, creo que hay que ser siempre un poco amateur para no hacer las cosas forzadas", agregó Depardon en una entrevista con Télam justo en el espacio central de la sala Cronopios del Recoleta, donde hasta el 20 de agosto próximo se podrá apreciar una dimensión más diversa de su talento fotográfico, con las muestras "Francia" (un retrato de su país y su gente hecho con una cámara de gran formato de 20x25 mm) y "Un momento tan dulce" (su registro de otros pueblos del mundo, su idiosincracia y costumbres).

Además, esta tarde a las 17, en la misma sala, ofrecerá una clase magistral pública en la que los asistentes (las entradas se pueden retirar en el Recoleta desde las 15) podrán escucharlo hablar de sus experiencias en sus continuos viajes con la fotografía y el cine documental, sus técnicas de trabajo, sus concepciones fotográficas y su peculiar búsqueda del color.

Este evento que cuenta con el apoyo de Magnum Photo París, el Instituto Francés de Argentina, la Embajada Francesa y la Alianza Francesa de Buenos Aires, se completa con la exhibición de tres de sus películas: "La vida moderna" (7 y 28 de junio, a las 20), "Journal de France" (14 de junio y 5 de julio, a las 20) y "Les Habitants" (21 de junio y 12 de julio, a las 20), en las que retrata vida, deseos y preocupaciones íntimas de los pobladores de la Francia profunda.

Raymond Depardon, la mirada inquietante

Por primera vez en la Argentina. El célebre fotógrafo y documentalista francés inaugura el martes dos muestras en el Centro Cultural Recoleta.       

Fotograma de su filme «Journal de France», documental con materiales de archivo.

por Verónica Abdala

El filósofo francés Gilles Deleuze posó distraído ante su cámara mientras charlaban en un café. Al ex presidente estadounidense Richard Nixon se lo ve eufórico durante un acto de campaña, sin imaginar que años después debería renunciar. Una modelo francesa acosada por curiosos fue también objetivo de su lente y están, entre otras miles, aquellas imágenes que revelan el sufrimiento de pacientes psiquiátricos hospitalizados en Italia, a finales de los ‘70. A pesar de que trabajó buena parte de su vida como reportero gráfico, durante años las fotos de Raymond Depardon fueron las de un hombre “exento de la obligación de dar al público las imágenes de los grandes acontecimientos”, según escribió el filósofo francés Jaques Rancière. Un artista que llevó sus retratos más allá del mero registro de la actualidad.

Considerado uno de los fotógrafos más destacados del siglo XX y también reconocido por sus documentales sobre la vida cotidiana filmados en medio de la ebullición y en distintos puntos del planeta, a Depardon se lo cataloga como figura de las artes visuales.

Su primera visita a la Argentina, la semana próxima, alienta la expectativa de un público atento a su trayectoria, y también la de quienes aspiran a descubrirlo: Depardon llega para acompañar la inauguración de dos muestras fotográficas y la proyección de tres de sus películas. Su obra podrá verse desde el martes 6 y hasta el 20 de agosto en el Centro Cultural Recoleta, en Junín 1930. Dictará, también, una clase magistral en la que compartirá sus apreciaciones.

Nacido en una granja francesa, emigró a los 16 años a París y, dos años después, se unió a la agencia Dalmas. Más adelante fundaría otra agencia, Gamma, y llegaría a ser una firma reconocida de Magnum, el lugar de mayor prestigio en el mundo de la fotografía periodística. Participó en más de 50 publicaciones, entre las que se incluyen el libro Notes (1979) y Correspondance New Yorkaise (1981), dedicado a la ciudad de Nueva York.

La primera muestra de fotos que exhibirá el Recoleta, Un momento tan dulce, reúne unas 160 imágenes en color y la mayoría son inéditas. Tomando el color como hilo conductor, propone un recorrido por la obra y la vida del artista, desde finales de los años ‘50 hasta la actualidad, por escenarios como Etiopía, los palmerales de Chad y los parajes más exóticos de Sudamérica.

Francia, la segunda serie de fotos, nace en 2004, cuando Depardon decide lanzarse sólo en un proyecto fotográfico de gran envergadura, recorriendo territorios con la curiosidad de un niño.

Las exhibiciones cuentan con la curaduría de Hervé Chandès, director de la Fundación Cartier para el Arte Contemporáneo de París, quien explicó: “El color es la metáfora de la curiosidad, dice Depardon. Es lo que lo acompañó en los grandes reportajes fundadores, en que interroga al ser humano y construye su mirada mientras busca la distancia correcta con el sujeto, entre la verdad del corazón y la experiencia de lo real. Hace de la fotografía un acto político del pensamiento”.

A su vez, las películas que se proyectarán en el Recoleta, siempre a las 20, son La Vie Moderne (7 y 20 de junio), Journal de France (14 de junio y 5 de julio) y Les Habitants (21 de junio y 12 de julio).

Coronará su visita a la Argentina -el miércoles 7 de junio a las 17-, con una masterclass gratuita coordinada por el cineasta Andrés Di Tella. © Clarín

Declan McCullagh

Declan McCullagh

Es una personalidad sobresaliente dentro del ámbito del periodismo político ya que lleva más de 20 años dentro, como parte de grandes empresas especializadas en este rubro; sin embargo es  muy reconocido por el valor artístico de  su trabajo como fotógrafo. Su obra ha estado en importantes publicaciones como  The New York Times, The Los Angeles Times, GQ, Scientific American, revista Business 2.0, la revista Gear, la revista Premiere, y muchas más. Sus fotos también han sido elegidas para informes anuales, carátulas de CD, portadas de libros, y se han mostrado en la televisión. Es elemental recalcar que aunque es un reportero, la visión con la que toma las fotos y logra transmitir la esencia artística es innegable, sobre todo cuando se trata de fotografías relacionadas con escenas urbanas y panorámicas. Su galería es muy extensa y  va desde fotos de paisaje, de personas, de eventos importantes como el 11 de Septiembre en Nueva York, entre muchas otras categorías pero siempre con esa particularidad característica de su trabajo, además de que ha tomado fotos en muchos países alrededor del mundo. Declan McCullagh es el principal corresponsal político de CNET, que forma parte de CBS Corporation. Anteriormente fue corresponsal de CBS News sitio Web . Se convirtió en el principal corresponsal político de CNET News en 2002 y vive en el área de San Francisco después de pasar más de una década en Washington, DC.